Tengoku Daimakyou é uma série excepcional que enfrenta desafios igualmente excepcionais. Tem um ambiente de produção e uma fusão de talentos pelos quais a maioria dos animes morreria, mas também o dever de lidar com uma história pós-apocalíptica fascinantemente estranha que é de alguma forma terrivelmente densa e também de natureza descontraída. Único!
Criar anime para a televisão é uma arte de se comprometer. Sabe-se que os recursos são insuficientes e que os cronogramas de produção não fizeram nada além de se deteriorar-uma conquista distorcida, considerando o quão ruins eram para começar. Esta realidade moldou, e continua a moldar até hoje, a forma como estas obras são criadas. Na melhor das hipóteses, correntes criativas impressionantes nasceram dessas limitações, transformando suas deficiências em pontos fortes; se cortar atalhos é inevitável, então você pode muito bem ser astuto sobre isso, porque assim você pode tropeçar em novas ferramentas de expressão. Seja o surgimento de técnicas eficazes de modulação de contagem de desenho, enfatizando ainda mais a encenação, ou avanços tecnológicos mais recentes que buscam casar eficiência com expressão, o anime tem uma longa história de armar suas fraquezas.
No seu pior , no entanto, as tentativas de lidar com essas limitações podem drenar completamente a vida dessas obras. Quer se trate de compromissos insuficientes ou mal direcionados que levam a um título de má qualidade que desmorona sob sua própria ambição, ou uma abordagem excessivamente conservadora deixando nada além de um produto estéril, a falha em navegar nessas circunstâncias é uma queda comum para o anime de TV. Por outro lado, isso deveria significar que, com o pessoal certo, um ambiente de produção de alto nível e um cronograma amplo, um projeto não deveria ter que enfrentar desafios fundamentais, mas é realmente tão simples?
Agora, não há como negar que Tengoku Daimakyou é um título de sorte. À primeira vista, suas circunstâncias podem não parecer excepcionais ou mesmo favoráveis. Hirotaka Mori está fazendo sua estreia na direção de séries, cargo que só aceitou por conhecer o produtor de animação Masashi Ohira; ele foi a pessoa que administrou os episódios de Mori em Joker Game no início de sua carreira de diretor, e desde então eles trabalharam lado a lado em títulos Production IG como PSYCHO-PASS e Moriarty, o Patriota. Por mais memorável e distinto que o trabalho de Mori tenha sido em 86 e 22/7, liderar um projeto inteiro requer um conjunto diferente de habilidades, então você nunca pode considerar uma transição suave como garantida.
Dado isso O próprio Ohira tem apenas um título anterior em seu currículo como produtor de animação, essa falta de experiência coletiva poderia ter questionado sua capacidade de reunir uma equipe competente ao seu redor-então é claro que eles aceitaram o trabalho. Suas posições acabaram criando uma boa sinergia: a carismática e elegante entrega de Mori já havia conquistado o respeito de muitos jovens freelancers talentosos com quem ele cruzou , enquanto a posição de Ohira em uma das potências de animação mais tradicionais deu a ele acesso a uma força de trabalho com fundamentos sólidos. Entre seu enganoso alcance imediato e a gravidade de projetos que já reuniram muitas mentes criativas interessantes, a equipe de Tengoku Daimakyou é tão robusta quanto qualquer produção pode aspirar a ser. Cheio de talentos promissores e veteranos famosos, muitos storyboarders evocativos e também o conhecimento técnico para ajudar essas ideias ambiciosas a realmente acontecerem. Resumindo, o pacote completo.
Claro, ajuda que a outra variável temida do anime de TV também tenha sido gentil com Tengoku Daimakyou. Embora tenha sido revelado oficialmente em outubro de 2022, há uma razão pela qual a existência dessa adaptação era amplamente conhecida antes disso: naquele momento, seu processo de animação já vinha ocorrendo há muito tempo, pois a série estava programada para ir ao ar inicialmente em abril. 2022-um ano inteiro antes de sua transmissão real. Ser permitido perder a data-alvo inicial é comum, e conceder esse tempo extra nunca deve ser considerado um presente benevolente que resolve todo o estresse relacionado ao prazo, mas o amplo espaço e a possibilidade de manter uma equipe central capaz unida no longo prazo não tornam o histórico deste projeto bastante excepcional. Afinal, o tempo pode ser de pouca utilidade se todos os recursos e talentos forem canalizados, mas a equipe de Tengoku Daimakyou reduziu diligentemente sua carga de trabalho até alcançar algo que parece totalmente realizado. Essa prorrogação também funcionou bem com seus principais convidados, que acabaram contribuindo mais extensivamente do que deveriam; seja desenhando alguma animação impressionante além dos storyboards, ou deixando para trás instruções meticulosamente detalhadas. Podemos ver exemplos disso em jogo nesses primeiros episódios, e mais nos esperam nas próximas semanas.
Então, novamente, se Tengoku Daimakyou não precisa se preocupar com os maiores problemas que afligem o anime de TV, poderia haveria realmente outro desafio fundamental para essa adaptação enfrentar? A verdade é que o planejamento fragmentado e a falta de recursos não são as únicas dores de cabeça inevitáveis nesses projetos-na verdade, algumas estão mais implícitas no formato. Embora seja tão normalizado que os espectadores raramente questionam, a duração fixa dos episódios e seu número tendo que se adequar à programação sazonal pode ser um pesadelo do ponto de vista da narrativa. A maioria dos formatos tem seus próprios tempos de execução vagamente definidos com os quais eles podem se safar de forma realista, mas quase nenhum é tão insensível quanto a TV. Cada segundo dentro de um bloco de 30 minutos tem um propósito predeterminado no segundo em que seu projeto vai para a TV. Você não está ganhando nem mais nem menos, a menos que lute com unhas e dentes por isso; há uma razão pela qual as equipes optarão por transmissões especiais quando tiverem a oportunidade, mesmo que elas tendam a envolver uma carga de trabalho maior. Da mesma forma, a crescente mercantilização do anime tornou muito mais difícil obter mais de um cour greenlit de cada vez, porque a indústria precisa continuar bombeando novos conteúdos.
Claro, nenhum desses problemas é exclusivos do Tengoku Daimakyou-são problemas sistêmicos e dificilmente os mais urgentes quando se trata de seu projeto médio. No entanto, este não é um anime padrão da TV, e a forma como todas essas variáveis interagem é o que acaba tornando essa adaptação um desafio excepcional. O último ponto que precisamos considerar nesta equação é o próprio Tengoku Daimakyou: uma série que é terrivelmente densa, mas também muitas vezes relaxada por natureza, um núcleo inerentemente contraditório que o diretor Mori achou impressionante, pois o mangá é capaz de apresentá-lo sem atrito.
Mori se viu lidando com um thriller multithread apoiado por um planejamento obsessivo em longos arcos, embora também seja estrelado por dois patetas que gostam de brincar com o pós-apocalipse. Suas duas histórias principais se entrelaçam de maneiras muito deliberadas, fazendo isso para induzi-lo com a mesma frequência que o fazem para desviá-lo. Por sua vez, isso torna a própria estrutura da série parte dessa ilusão celestial. Tengoku Daimakyou é uma conquista formal na narrativa que pode surpreendê-lo se você reconhecer apenas o nome de Masakazu Ishiguro de sua divertida série temática de empregada, mas é precisamente isso que o torna um real dor na bunda para se adaptar. Essa equipe tem as ferramentas e o suporte que a maioria de seus colegas gostaria de ter, mas, ao mesmo tempo, sua tarefa complicada também está mais em desacordo com as restrições estruturais da TV, justamente em uma série que brilha nesse quesito. Para ver como essas questões e as soluções ingênuas dessa equipe se manifestam, vamos finalmente nos aprofundar nos primeiros episódios da série.
Para quem ainda não conhece Tengoku Daimakyou, o primeiro episódio deixa claro que esta série é dividida em duas histórias principais: as aventuras de Maru e Kiruko no deserto pós-apocalíptico e a trama misteriosa em um orfanato altamente avançado, centrado em torno de um sósia de Maru chamado Tokio. Ishiguro vai e volta entre cada fio, constantemente encontrando maneiras de ligar os dois; pode ser um personagem desmaiando em uma extremidade e outro despertando na outra, uma transição que implica continuidade física entre os dois, um tema compartilhado, uma acusação implícita, você escolhe. Seu uso constante pode fazer com que pareça um truque atrevido, mas embora você certamente possa imaginar o sorriso malicioso do autor por trás de algumas dessas transições, elas adicionam muito à intriga e também ajudam a manter um ritmo rápido e agradável.
O anime não perde tempo em colocar isso em prática – na verdade, ele o faz mais rápido que o mangá original. Enquanto seu primeiro capítulo foi quase inteiramente dedicado às crianças na misteriosa instituição, dedicando apenas uma daquelas mudanças significativas no final, a confiante composição da série do animeComposição da Série (シリーズ構成, Série Kousei): Um papel fundamental dado ao escritor principal da série. Eles se encontram com o diretor (que tecnicamente ainda os supera) e, às vezes, com os produtores durante a pré-produção para esboçar o conceito da série, apresentar os principais eventos e decidir como acompanhar tudo. Não deve ser confundido com roteiristas individuais (脚本, Kyakuhon) que geralmente têm muito pouco espaço para expressão e apenas desenvolvem rascunhos existentes -embora, é claro, os compositores da série escrevam os próprios roteiros. reembaralha todos os eventos iniciais e cria novos pontos de conexão. Depois de Tokio ser apresentado ao conceito do lado de fora do lado de fora, uma ideia quase inconcebível para quem sempre viveu dentro do mundo fechado deste orfanato futurista, uma transição com muitas implicações é feita para Maru e Kiruko. Mudanças semelhantes acontecem várias vezes apenas no primeiro episódio: algumas delas são o resultado de rearranjos inteligentes, enquanto outras são essencialmente originais, eventualmente levando a um novo cliffhanger que deixaria o mangá orgulhoso.
A habilidade-e vontade-desta equipe de imitar os dispositivos de narrativa do autor além de apenas copiá-los mostra sua compreensão da gramática de Tengoku Daimakyou e, mais importante, isso nos diz que eles entendem por que isso é importante. Mais uma vez, não foi um trabalho fácil que lhes foi confiado. Esta temporada deve adaptar cerca de 6 volumes de uma série multifacetada e muito movimentada. Simplesmente acelerar através deles não apenas faria um desserviço ao seu mistério cuidadosamente construído, mas também iria contra todo o ponto da história.
No meio do mundo intrigante, estranho e às vezes terrivelmente cruel de Tengoku Daimakyou , Maru e Kiruko realmente se divertem se aventurando juntos. Eles riem, estragam tudo, fazem piadas ruins, mas perturbadoramente engraçadas, e se convencem de que acabaram de inventar os cintos de segurança enquanto são perseguidos por um monstro horrível do tamanho de um prédio; este último não será abordado no anime, mas permita-me um leve spoiler para ilustrar o ponto. A premissa codifica fortemente a instituição como o paraíso que os dois co-líderes disseram para encontrar, em contraste com a realidade infernal de um pós-apocalipse árido assombrado por monstros. Este é o único pedaço de civilização que vemos em um mundo destruído, contém dicas supostamente relacionadas ao seu objetivo-como o sósia de Maru, Tokio, e por que não, tomates saborosos-e até a própria narração de Ishiguro na primeira página do mangá chama isso de paraíso.
Apesar de tudo isso, rapidamente vemos que as coisas não são como parecem. Na reviravolta inicial menos surpreendente do mangá, o orfanato obviamente suspeito acaba escondendo segredos sombrios. Enquanto o lado de Tokio da história tem uma revelação perturbadora após a outra, a busca de Maru e Kiruko em um Japão desolado é… francamente, mais alegre. As coisas nunca são preto e branco em Tengoku Daimakyou, e a tragédia absorve cada segmento de sua história, mas ainda deixa claro que a coisa mais próxima que testemunhamos de um tempo celestial são as aventuras desses dois juntos. Até mesmo os próprios personagens afirmam isso-mais rápido no caso de Maru, como a esposa que ele nasceu para ser.
Isso tudo para dizer que a brincadeira aparentemente inconseqüente entre os dois na verdade é um insubstituível parte dela, se não todo o núcleo da história. Explodi-lo, quanto mais cortá-lo inteiramente porque aparentemente não tem importância narrativa, teria levado a um mistério funcional com pouco do charme da obra original e uma mensagem decididamente mais superficial. Por meio de pequenos rearranjos constantes e omissões calculadas, essa equipe seguiu um caminho mais trabalhoso para a pré-produção, mas também um caminho que tem mais chances de traduzir o apelo de Tengoku Daimakyou. Lembre-se, isso não significa que alguns sacrifícios não estão sendo feitos. Eles cortaram algum material cativante entre seus dois co-líderes e algumas das inúmeras pistas ocultas para esse assunto; afinal, o tema por trás desta peça é comprometedor. Mas, identificando corretamente o que torna Tengoku Daimakyou tão atraente e, principalmente, fazendo as escolhas certas para lidar com esses inevitáveis problemas de ritmo, Mori e sua equipe conseguiram manter seu espírito enquanto focavam nos aspectos que podem transformar o anime em uma experiência que se destaca. por conta própria.
Então, quais são os aspectos que Mori acredita que poderiam elevar um anime Tengoku Daimakyou? Em várias entrevistas , o diretor repetidamente destacou alguns deles em particular. De todos os elementos que uma adaptação de anime é capaz de adicionar, o som é algo em que ele se concentrou. Uma história em quadrinhos pode não ter áudio, mas qualquer trabalho com uma personalidade distinta o suficiente definitivamente parece ter um som próprio também-e para o diretor, o descompasso indiferente do trabalho de Ishiguro estava simplesmente pedindo uma partitura por um e apenas Kensuke Ushio. Como um grande fã de ambos, concordo plenamente com seu comentário sobre os sons etéreos de Ushio serem algo que você pode imaginar tocando tanto em uma escola quanto em um mundo pós-apocalíptico.
Embora ele não tenha destacado isso. assim como o som, Mori também elencava a cor e os fundos como aspectos fundamentais na reprodução da identidade de uma obra. E apenas dando uma olhada no primeiro episódio, fica claro que a direção de arte de Yuji Kaneko desempenha um papel tão importante quanto qualquer outro na representação do mundo de Tengoku Daimakyou. A configuração reproduz pontos fortes em exibição em títulos anteriores ele trabalhou com seu estúdio Aoshashin, mas enquadrando isso porque a tipificação de um estilo muito específico presta um péssimo serviço a ele. Nos últimos anos, em particular, Kaneko expandiu lindamente seu alcance; não apenas no que ele retrata, mas também na maneira como ele chega lá, como enfatizar pinturas analógicas ou digitais. O sentimento de vivência fundamentada de Josee e Ranking de Ousama‘s pintura, conto de fadas imaginativo representam duas possibilidades muito diferentes dentro da estrutura de Kaneko—e em Tengoku Daimakyou, outros dois lados distintos dele existem. Um pós-apocalipse enferrujado e cheio de mato e um orfanato clínico e estéril. Céu e inferno, sejam eles quais forem.
Em contraste com esses aspectos inerentes à identidade de Tengoku Daimakyou, o ponto final de foco na abordagem de Mori tinha mais a ver com a adaptação em si: se eles iam transformar isso em animação, eles poderiam muito bem apostar no componente de ação da série, já que era algo em que sua equipe confiava. A forma como eles conseguiram destacá-lo é bastante interessante, já que não se trata simplesmente de reunir craques da animação de ação como mãos contratadas. Os episódios de Tengoku Daimakyou com uma grande explosão de ação tendem a deixar de lado toda a cena para que um animador de ação capaz faça o storyboard por conta própria, para seguir em frente como o único animador principal para ela também ou para compartilhá-la entre seus conhecidos próximos. Vemos isso logo no primeiro episódio, onde o cenário de ação original é narrado por ninguém menos que Tetsuya Takeuchi; não é segredo que ele está desapontado com o estado geral de ação no anime, já que não atende ao seu desejo de combinar coreografia semelhante a wuxia com trabalho de câmera ativo, o que torna mais fácil para diretores inteligentes atraí-lo sob a promessa de que ele pode embarcar no tipo de ação que gosta. A animação principal Animação principal (原画, genga): Esses artistas desenham os momentos cruciais da animação, basicamente definindo o movimento sem realmente concluir o corte. A indústria de anime é conhecida por permitir que esses artistas individuais tenham muito espaço para expressar seu próprio estilo., principalmente fornecido pelo maior seguidor de Takeuchi, Ryo Araki, faz jus ao desejo de Mori de usar a ação para apimentar uma oferta já empolgante.
Seguindo a direção elegante, mas implacável do próprio Mori no primeiro episódio, o segundo continua aproveitar ao máximo as qualidades únicas de seu formato. Este vem pelas mãos do storyboarder Itsuki Tsuchigami e do diretor do episódio Kai Shibata, sendo o primeiro um dos convidados notáveis que trabalhou mais do que o esperado apenas porque foi capaz; o que quer dizer que essa sequência de perseguição muito divertida é um bom brinde devido às travessuras de agendamento raramente positivas do projeto. O enquadramento voyeurístico inquietante é aprimorado em forma de anime e decisões de direção atrevidas como as mudanças para cinemascope aumentam a tensão de uma forma inerentemente pateta-muito no espírito desta série. Quando se trata dessa sequência semelhante a um filme de terror, porém, é a consciência do meio que acho mais interessante. Os estágios iniciais do mangá e do anime exploram sua representação da escuridão de maneiras que simplesmente não poderiam ser copiadas, o que os torna valiosos trabalhos por conta própria. A revelação de o monstro pássaro no mangá é um pequeno uso brilhante do espaço negativo que vem naturalmente para um formato preto e branco, algo que o anime teve que abordar de forma diferente. Enquanto isso, essa sequência de terror essencialmente original no anime está inerentemente ligada ao conceito de trabalho de câmera e iluminação real; deliberadamente ousadamente, como outros observaram . Sem dúvida, uma série que vale a pena experimentar em ambos os formatos.
As vibrações de terror continuam no terceiro episódio, dirigido e encenado por um bom amigo desta equipe em Kazuya Nomura. Desta vez, é o horror corporal chegando em todos os sabores possíveis que você (não) deseja; imagens grotescas e imersivas de um corpo sendo dominado, o terror indescritível de acordar no corpo errado e até mesmo alguns peixes hediondos com partes humanóides que definitivamente não pertencem ali. É sem dúvida o episódio mais focado do anime, e há boas razões para isso: Storyboarding muito elegante de Nomura e o ritmo mais confortável, pois adaptou um flashback mais curto e independente. De certa forma, é uma amostra do que uma adaptação verdadeiramente descompromissada de Tengoku Daimakyou poderia ter sido-uma que retém todo o sabor do original e, se houver alguma coisa, o torna mais grosso, mais impactante, ainda mais característico.
Por si só, os eventos deste episódio também destacam algumas das qualidades mais atraentes de Tengoku Daimakyou. Por um lado, há o domínio de Ishiguro em controlar informações, o que lhe permite esconder coisas à vista de maneiras que você só pode apreciar em retrospecto; é só depois desse episódio que você começa a obter detalhes como Kiruko dizendo que eles são um homem no que parecia uma piada idiota no primeiro episódio, a reação ao reflexo na pousada, o misterioso intervalo de dois anos na idade que eles deram a Maru, ou mesmo a dessincronização com o trabalho de linha na corrida de Kiruko. Este é apenas o começo do que só pode ser chamado de prenúncio completamente maníaco da parte do autor, então estou ansioso para que as pessoas o amaldiçoem quando perceberem que cada ponto de informação aparentemente arbitrário da série era de fato extremamente relevante.
E se sua estrutura cuidadosamente planejada é interessante, também é a variedade puramente caótica de temas que ele decidiu abordar-alguns executados muito melhor do que outros, devo dizer. Isso é algo que o próprio Mori afirmou que deveria ser mantido no anime, pois a obra de Ishiguro permite que você se aproxime deles e faça sua própria leitura; o diretor citou gênero, tecnologia, natureza e muitos outros ângulos dos quais você poderia abordá-lo, nenhum particularmente mais válido para ele do que o outro. Para mim, Tengoku Daimakyou é uma série que simpatiza com as gerações mais jovens que herdaram um mundo arruinado e recebem nada além de desprezo. Kiruko e Maru são ironicamente chamados de parte da geração sem lei, mas são os adultos que estão por trás das piores maquinações deste pós-apocalipse. É fácil transformar isso em uma leitura genuinamente ambiental da série, e certas conversas apontam abertamente nessa direção… mas, ao mesmo tempo, é um tanto cético em relação às comunidades que ostentam essa bandeira ambiental. No pior da série, seu desejo de se intrometer em todos os assuntos delicados e tópicos tabus parece juvenil e inutilmente cruel, mas, na maioria das vezes, seu mundo profundamente estranho e as muitas leituras que você pode tirar dele são uma grande parte de seu apelo. O paraíso da erva-do-tomate realmente descobriu isso.
Em uma De certa forma, parece que com a passagem de cada episódio, a série fica um pouco mais confiante em pular algum conteúdo em prol de um foco mais preciso. O episódio #04, dirigido e com storyboard de Takashi Otsuka, enfatiza o contraste entre todas as crianças da instituição buscando intimidade naturalmente e os olhos vigilantes de seus agrimensores adiando ou apenas removendo cenas do mangá-e, francamente, é melhor para isso, pois também deu mais espaço para Asuka Suzuki para assuma a parte da ação. Da mesma forma, o storyboarder do episódio 05, Yojiro Arai , conseguiu expandir memórias cruciais além do original , com entrega visual impressionante. O aspecto final em que este episódio me dá uma ótima desculpa para focar, porém, é a animação em si. Não é a intenção teológica por trás de mais uma masterclass de Takeuchi, nem seu aluno Araki apresentando exatamente as mesmas reviravoltas satisfatórias, mas sim a arte nostálgica no início do episódio que melhor exemplifica a identidade deste programa.
Ninguém deveria se surpreender ao saber que Ishiguro é um grande fã de Katsuhiro Otomo. Tanto que faz um esforço consciente para não fazer com que seu próprio trabalho se pareça com AKIRA demais; uma mensagem que os mobs no início do episódio #05 definitivamente não entenderam. Também não é grande revelação que as formas semelhantes a Otomo são maleáveis, uma boa adaptação inerente à animação e um deleite para uma produção repleta de tantos especialistas em atuação. Vários animadores diretamente jogaram essas qualidades e, o mais interessante, a abertura em si. A introdução magistral de Weilin Zhang é espalhando sua própria personalidade e visão de mundo, mas é sem dúvida ainda mais interessante em como encontra um terreno comum entre diferentes eras da animação. As formas blobby em sua animação lembram muito o estilo Satoru Utsunomiya desenvolvido precisamente depois de amadurecer em projetos como AKIRA, que passou por nomes como Norio Matsumoto e mais tarde Shingo Yamashita, acabou sangrando no popular webgenWebgen (web系): Termo popular para se referir aos animadores digitais principalmente jovens que se juntaram à indústria profissional de anime ultimamente; seus artistas mais notáveis começaram a ganhar atenção por meio de gifs e animações feitas por fãs online, daí a geração da web. Ele engloba várias ondas de artistas neste momento, então dificilmente é mais uma geração, mas o termo pegou. estética. Por si só, a abertura já parece uma mistura de traços antigos e novos de Yama, e se você começar a rastrear todas as influências inadvertidas em jogo, você obterá uma deliciosa bagunça de uma árvore artística.
Isso disse, eu sinto que não faz sentido tentar fixar a animação de Tengoku Daimakyou em uma corrente específica, pois faz questão de permitir a variação. Um dos maiores contribuintes para o show foi Shuto Enomoto, que se destaca de todos os estilos mencionados acima com sua arte muito mais nítida. Suas sequências ainda estão em diálogo com o trabalho de Ishiguro, mas o fazem em seus próprios termos. Essa sequência de atuação fofa do primeiro episódio contrasta aquela nitidez que é melhor usada em momentos tensos com expressões mais soltas e caricaturais que parecem ter saído direto dos quadrinhos; na verdade, não, mas isso fala muito sobre a capacidade dessa equipe de transformar o trabalho de Ishiguro em seu próprio. E enquanto no nível da arte Enomoto tende a contrastar bastante com seus colegas, temos a sorte de ele compartilhar a paixão pela articulação completa dos personagens com muitos animadores da equipe. Examinamos a conhecida dupla de Takeuchi e Araki, mas talvez a melhor surpresa a esse respeito até agora tenha sido a aparição de Hiroyuki Yamashita para ilustrar o pesadelo vivo de Kiruko de forma tão vívida que dói. Mesmo quando a animação não é externamente chamativa, há uma consideração dada à atuação que você raramente encontrará na TV anime.
E honestamente, isso faz sentido. Como vimos, Tengoku Daimakyou não é um projeto regular. Em alguns aspectos, parece abençoado a um grau que faz você se perguntar se isso pode realmente ser um acordo com o diabo em jogo. Sua produção longa e bem cuidada pagou dividendos e, sem dúvida, ainda não vimos os maiores nomes da equipe. Ao mesmo tempo, esta série exclusivamente densa e de alguma forma descontraída requer precisão clínica para reconstruir em um anime de 1 curso sem sacrificar os elementos que o tornam especial. Até este ponto, os compromissos foram razoáveis, não apenas conseguindo capturar a maior parte do charme do mangá, mas também adicionando apelo específico do meio à adaptação. Até agora tudo bem! Se eu me conheço, vejo você novamente após o episódio #08.
Apoie-nos no Patreon para ajude-nos a alcançar nosso novo objetivo de sustentar o arquivo de animação em Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): imagens de desenho técnico, mas mais especificamente animação. Os fãs ocidentais há muito se apropriaram da palavra para se referir a instâncias de animação particularmente boa, da mesma forma que um subconjunto de fãs japoneses faz. Bastante essencial para a marca de nossos sites. Vídeo no Youtube, assim como este SakugaSakuga (作画): Tecnicamente desenhando, mas mais especificamente animação. Os fãs ocidentais há muito se apropriaram da palavra para se referir a instâncias de animação particularmente boa, da mesma forma que um subconjunto de fãs japoneses faz. Bastante essencial para a marca de nossos sites. blog. Obrigado a todos que ajudaram até agora!
Torne-se um patrono!